Sergio Sancho: Siempre digo que las cosas están mucho más interconectadas de lo que creemos, ¿no? Yo siempre sentí que no estaba en el lugar que me correspondía. Caí en Publicidad, pero en realidad venía de Empresariales, con una trayectoria más enfocada al marketing, más orientada al cliente que a la agencia. Cuando llegué a una agencia, ni siquiera sabía bien lo que era (ríe). Pero, una vez dentro, me di cuenta de que conectaba conmigo.

En la agencia en la que trabajaba teníamos mucha vinculación con patrocinios culturales. Llevábamos festivales, hacíamos mucho “marketing de guerrilla”, trabajábamos con actores… Y todo eso, de alguna forma, estaba muy ligado a inquietudes que yo ya tenía, aunque no fuera del todo consciente. Siempre trabajamos con una parte muy artística y artesanal: ilustradores, gráficas que producíamos, mucho contacto con artistas…

De hecho, empiezo a vincularme con el arte cuando entro en La Despensa. Compartíamos espacio, en la calle Albasanz, con una galería de arte. Y ahí pasan dos cosas: conozco a la que hoy es mi mujer —uno de sus hermanos es artista— y empiezo a ir a ARCO con ella. A partir de ahí hago mis primeros contactos y compro mi primera obra de arte, precisamente gracias a esa convivencia con la galería. Pero todo esto ocurre de una forma muy orgánica.

Recuerdo especialmente una exposición de Julio Falagán. Me impactó muchísimo: trabajaba con restos de tela, escenas de caza que intervenía con robots, escenas surrealistas… Me abrió la cabeza. Ahí entendí que había una línea de arte, muy vinculada a códigos más pop y publicitarios, con la que yo conectaba profundamente y que hasta entonces no había explorado. Y fue precisamente eso lo que me acercó al mundo del arte. De otra manera, quizá no habría entrado.

Cuando vas profundizando en el arte, desarrollas una mirada más crítica, una capacidad conceptual mucho mayor. Pero yo siempre insisto en una cosa: si realmente queremos que más gente se acerque al arte, especialmente los jóvenes, tenemos que conectar con sus códigos. Si no lo hacemos, el arte se queda en un espacio elitista, desconectado del día a día. Y eso es un problema.

Ahí es donde yo siempre he querido dar la batalla: trabajar para que las nuevas generaciones se interesen por el arte, para que descubran artistas con los que puedan identificarse y, como me pasó a mí, comiencen una educación visual, una evolución de la mirada que les permita valorar propuestas más complejas. Hoy entro en el Prado y lo veo desde un lugar muy distinto al de hace veinte o veinticinco años.

Nuestros proyectos siempre han querido generar esa conexión con la gente. Cuando empecé a meterme más en este mundo, comencé a coleccionar y a darme cuenta de que hay una parte del arte que permanece de espaldas al público. Nadie se ha preocupado de mostrársela. Ahí es cuando surge la idea de Urvanity: una feria más fresca, más accesible, pensada para un público joven. También muy vinculada a lo underground, a lo urbano, a mis propios gustos. Muchos de estos artistas encontraban en la calle su espacio de expresión, y me interesaba cómo eso luego se podía trasladar a una galería.

Esa evolución me lleva a crear un segundo proyecto en Ibiza. Al principio me plantearon replicar Urvanity allí, pero me di cuenta de que no tenía sentido. Tenía que responder a mi propia evolución. Podía partir de un ADN similar, pero necesitaba transformarse, adaptarse.

Cuando arranco con CAN, llego con un bagaje que me permite preguntarme: “¿Ahora qué quiero?”. Y quiero una selección más curada, por eso incorporo a un comisario. Quiero atraer galerías más internacionales, lanzar propuestas más arriesgadas… Todo eso hace que el proyecto evolucione hacia un lugar distinto, pero coherente con su origen. Y ese enfoque más maduro, más elaborado, también está impregnando a Urvanity. De hecho, vemos que la feria de Madrid cada vez tiene más nivel y se está generando un trasvase muy interesante entre ambos proyectos, una retroalimentación constante.