Ocho artistas de la 34.ª edición de ARTESANTANDER

Propuestas destacadas de la feria ARTESANTANDER 2026.

GALERIA ARTIZAR: PAULA VALDEÓN

Artizar continua con su legado en la feria de ARTESANTANDER, con un solo-project de Paula Valdeón, una exhibición coherente con la trayectoria del espacio, que desde hace años mantiene una programación especialmente atenta a discursos de fuerte densidad conceptual. La obra de Valdeón sobresale precisamente por convertir lo aparentemente ornamental en un dispositivo crítico desde el que cuestionar la fragilidad de las imágenes que nos rodean.

La obra de Paula Valdeón parte del ornamento, entendido no como un elemento accesorio sino como una estructura silenciosa que condiciona nuestra forma de habitar y percibir el espacio. Lo decorativo aparece aquí como un lenguaje cargado de implicaciones materiales, históricas e incluso políticas.

A través de piezas que combinan procedimientos escultóricos y pictóricos, Valdeón desplaza materiales vinculados a la construcción o a la tradición pictórica hacia un registro ambiguo en el que lo artificial parece recuperar una dimensión orgánica. La tensión entre superficie y estructura, entre aquello que se muestra y aquello que sostiene, articula una reflexión rigurosa sobre las relaciones entre apariencia y permanencia.

PROVISIONAL23: MARIO MANSO

La práctica de Mario Manso se sitúa en un territorio híbrido donde pintura, escultura e instalación convergen para construir experiencias profundamente ligadas a la transformación física de la materia. Su lenguaje explora la relación entre cuerpo, espacio y comportamiento material, desplazando la materia de su condición de soporte hacia un papel activo dentro de la pieza.

En ARTESANTANDER 2026 presenta un proyecto articulado en torno al imaginario marítimo de la ciudad anfitriona, configurado en un duo-project junto a Pablo Quesada. La luz cambiante de la costa, la presencia del agua y especialmente la sal funcionan no solo como referencias simbólicas, sino como agentes que determinan la propia configuración del conjunto presentado por provisional23. Sedimentación, corrosión o acumulación aparecen integradas como dinámicas centrales dentro de un universo donde lo industrial y lo orgánico conviven en tensión permanente.

Su participación dialoga de forma natural con provisional23, proyecto independiente que, tras consolidarse durante dos años desde un formato expositivo radicalmente experimental —ocupando la escalera de un edificio residencial madrileño— inicia este septiembre una nueva etapa con espacio permanente en la capital. La galería mantiene así un compromiso firme con formatos no convencionales, y la obra de Manso sintetiza esa voluntad de entender la creación actual como territorio expandido.

MECHA: CARLOS CAÑADAS

La pintura de Carlos Cañadas se articula desde una lógica de inestabilidad constante. Aunque formalmente parte de una figuración reconocible, parece interesarle menos la representación final que los mecanismos de construcción y destrucción de la imagen. Cada pieza funciona como un espacio de negociación permanente, donde una escena emerge, se corrige, se contradice y vuelve a reformularse mediante sucesivas capas pictóricas.

Su universo visual encuentra resonancias en lenguajes tradicionalmente considerados menores —la caricatura, el cómic, la animación o el dibujo espontáneo— que incorpora para activar escenas ambiguas donde conviven lo lúdico y cierta violencia latente. Resulta especialmente significativa su decisión de trabajar sobre telas sin bastidor, desplazando la pintura hacia una dimensión casi corporal: la superficie pierde rigidez y adquiere una presencia física que altera la relación entre obra y espectador.

Presentado por Mecha Galería, joven espacio santanderino centrado en discursos donde la pintura continúa funcionando como campo de experimentación formal, Cañadas despliega una producción profundamente dialéctica, en la que el error, la estratificación y la negación de la imagen terminan convirtiéndose en el verdadero motor pictórico.

GALERÍA NÉBOA: SARA PIÑEIRO

La obra de Sara Piñeiro se desarrolla a partir de una aproximación material que convierte la geología en archivo autobiográfico. Tomando como punto de partida el polvo de granito procedente de una antigua cantera familiar, la artista construye un lenguaje donde materia, territorio y memoria se entrelazan en torno a aquello que persiste en estado residual.

Lejos de abordar el material como simple soporte, Piñeiro explora las tensiones entre bloque y fragmento, entre estructura sólida y descomposición. La incorporación de distintos áridos graníticos mezclados con aglutinantes genera superficies homogéneas que, pese a remitir visualmente a la piedra, producen una extrañeza sutil: conservan la densidad mineral original pero aparecen alteradas por una uniformidad artificial que cuestiona nuestra percepción de lo natural.

Paralelamente, el uso de ensamblajes precarios y sistemas de sujeción vulnerables desplaza el discurso hacia las formas contemporáneas de sostener, contener o construir. La fragilidad estructural se convierte aquí en elemento central.

Su participación junto a Galería Néboa resulta especialmente significativa. El espacio gallego ha desarrollado una línea muy vinculada a prácticas emergentes capaces de activar lecturas actuales sobre territorio e identidad, un marco especialmente afín a una artista que transforma la materia mineral en un lenguaje altamente sensible.

ESPACIO ALEXANDRA: MIRIAM ISASI

Miriam Isasi ocupa un lugar singular en la intersección entre investigación artística, pensamiento ecológico y experimentación material. Su producción opera mediante asociaciones abiertas entre paisaje, memoria, alquimia y conocimiento ancestral, desarrollando un lenguaje en el que los materiales funcionan como portadores de relaciones simbólicas más que como simples recursos formales.

En el solo-project presentado en ARTESANTANDER 2026, el bosque aparece como un organismo complejo que la artista intenta condensar en un sistema de equivalencias poéticas. El roble se convierte en eje conceptual de una exploración donde raíces, ramas, agallas, carbón o serrín son entendidos como fragmentos de un ecosistema expandido. Especial relevancia adquiere el uso de tinta ferrogálica, históricamente vinculada a procesos orgánicos y minerales, que introduce una dimensión casi ritual.

La pieza busca aproximarse a la naturaleza a través de conexiones invisibles entre materia viva, memoria colectiva y transformación. Esa capacidad para construir sistemas complejos de significado define buena parte de la trayectoria de Isasi, una de las voces más sólidas del contexto español actual.

Su inclusión en Espacio Alexandra refuerza la identidad de un proyecto galerístico especialmente atento a discursos conceptuales y procesos de largo recorrido, consolidando un diálogo especialmente coherente dentro del contexto de la feria.

GALERÍA LLAMAZARES: RAQUEL LOBO

La obra de Raquel Lobo destaca por una cualidad poco frecuente en el panorama actual: una extraordinaria capacidad para construir imágenes suspendidas fuera del tiempo. Sus composiciones, de aparente serenidad formal, articulan un universo visual donde referencias arqueológicas, imaginarios mitológicos y proyecciones futuristas conviven en un equilibrio cuidadosamente medido.

Su método de trabajo, deliberadamente lento y minucioso, persigue una suerte de imagen ideal, como si cada pieza revelara algo que existía previamente en un plano simbólico latente. El color ocupa un lugar central dentro de esta construcción visual, organizando escenas contenidas donde la precisión técnica nunca eclipsa la intensidad atmosférica.

En sus series más recientes, Lobo ha profundizado en narrativas ligadas al imaginario del norte peninsular, particularmente a figuras legendarias y sistemas simbólicos heredados, incorporando materiales preciosos como pan de oro y formatos textiles o escultóricos que expanden su universo iconográfico.

La presencia de la artista junto a Llamazares confirma la atención del espacio hacia creadores capaces de desarrollar lenguajes visuales altamente singulares. Reciente ganadora del Premio Asturias Joven de Artes Plásticas, consolida una trayectoria especialmente prometedora dentro de la pintura española emergente.

JUAN SILIÓ: LUCÍA GOROSTEGUI

La obra de Lucía Gorostegui parte de una reflexión especialmente pertinente en el contexto visual actual: la imposibilidad de entender la imagen como reflejo neutral de la realidad. Su formación en Ciencias Físicas atraviesa profundamente una producción que examina cómo toda percepción depende inevitablemente del punto de vista desde el que se construye.

Aunque la fotografía constituye el núcleo central de su lenguaje, Gorostegui ha desarrollado una línea que desborda ampliamente los límites tradicionales del medio. Instalación, intervención espacial y experimentación con la dimensión objetual de la imagen forman parte de una práctica interesada menos en representar que en cuestionar las estructuras que determinan aquello que consideramos real.

Sus proyectos analizan con precisión las relaciones entre memoria, espacio y expectativa, activando mecanismos de observación crítica en un presente cada vez más saturado por imágenes que sustituyen la experiencia directa.

Representada por Juan Silió, una de las galerías más sólidas del circuito nacional en la articulación de discursos rigurosos, Gorostegui a través de su solo-project en la feria, confirma una línea especialmente relevante dentro de las nuevas prácticas fotográficas españolas, donde la imagen deja de funcionar como documento para convertirse en herramienta crítica sobre la propia construcción de realidad.

WETLANDS: PAULA SANTOMÉ

La concesión del II Premio Exposición Puerto de Santander en la pasada edición confirma el creciente reconocimiento institucional hacia una trayectoria que combina pensamiento histórico, experimentación formal y reflexión crítica. La exposición Wetlands se consolida así como una de las propuestas más sólidas y ambiciosas presentes en esta edición de ARTESANTANDER 2026 dentro de su programa paralelo, ubicada en el Palacete del Embarcadero.

Con Wetlands, Paula Santomé desarrolla una línea centrada en la persistencia del pensamiento mítico dentro de las estructuras contemporáneas de producción de conocimiento. Frente a un presente dominado por la lógica tecnológica y la racionalidad científica, plantea recuperar formas simbólicas de comprensión capaces de conectar experiencia individual, memoria colectiva e imaginarios culturales heredados.

El proyecto toma como punto de partida figuras asociadas a antiguas cosmologías femeninas y recorre distintas genealogías mitológicas hasta establecer conexiones inesperadas con fenómenos plenamente contemporáneos, como la cultura cosplay o las nuevas formas de representación identitaria. Más que abordar el mito como relato del pasado, Santomé lo entiende como una estructura viva que continúa organizando nuestra forma de producir sentido.

Formalmente, el conjunto destaca por la reactivación de técnicas tradicionales trasladadas al lenguaje actual. Los repujados manuales en aluminio o las esculturas realizadas mediante fundición a la cera perdida evidencian un interés por recuperar procedimientos artesanales desde una sensibilidad plenamente contemporánea.